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 Asunto: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 04-07-10 23:59 
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Primero de todo me gustaría explicar el propósito de este nuevo ”tocho”. He percibido por comentarios y preguntas de varios foreros que existe un cierto desconocimiento del trabajo del músico de orquesta, del director, etc. Y, al mismo tiempo, o seguramente por ello, una cierta mitificación de todo ello, cuando en realidad en cuanto lo conoces un poco es una cosa de lo más normal, la verdad.
Había pensado estructurarlo en forma de ensayo, pero mira, me ha hecho gracia hacerlo con el típico formato de las “Preguntas frecuentes sobre…” (F.A.Q.). De momento yo mismo me haré algunas preguntas y el que quiera, que vaya añadiendo.
Espero que me perdonéis; mi propósito, como de costumbre, no es presumir de lo mucho que sé ni hacer ver que mi trabajo es más interesante que los demás. Simplemente creo que a lo mejor algo de lo que diga no es muy conocido y puede contribuir a ampliar algo más el conocimiento de la interpretación musical.

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 04-07-10 23:59 
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¿De cuánta gente se compone una orquesta sinfónica?

El número aproximado de músicos de cuerda de una orquesta sinfónica podría ser: 16 violines primeros, 14 segundos, 12 violas, 10 chelos y 8 contrabajos. Por supuesto que hay partituras que requieren menos cuerda (Mozart, Haydn, etc. ) y otras que requieren un aumento (Mahler, Schoenberg, etc. ). Cuando se trata de un concierto con solista a menudo el director reduce uno o más atriles por sección para no tapar al solista. (en cada atril de la cuerda tocan dos músicos).

En cuanto al viento-madera, lo básico sería una pareja de instrumentos de cada: 2 oboes, 2 flautas, 2 clarinetes y dos fagotes. A ellos se añaden frecuentemente uno más de cada dentro de cada familia: un corno inglés, un flautín, l clarinete bajo y el contrafagot. Y a veces, una flauta más grave (la flauta en sol) y un clarinete más agudo (el clarinete en Mi b o requinto). Señalar que el clarinetista usa dos clarinetes, el de La y el de Si bemol, y los va usando según pone en la partitura, a menudo cambiando de uno a otro tan solo para tocar una frase. Esta sería la plantilla mínima, pero algunas partituras requieren que los instrumentos vayan “doblados”. Eso no consiste en que un forzudo los retuerza hasta hacer un círculo con ellos, sino que en lugar de 2 oboes, por ejemplo, hay 4. Cada voz es tocada por 2 instrumentistas en los tuttis y por uno solo de ellos en los solos. A veces es el mismo director el que pide que se doblen los instrumentos de madera, según la cantidad de cuerda que utilice o según otros criterios. Por ejemplo, Karajan utilizaba una orquesta bastante grande para Beethoven o Brahms, por lo que doblaba las maderas.

En el viento-metal lo básico serían 4 trompas, 2 o 3 trompetas, 3 trombones y la tuba. Hay gente que no incluye a las trompas en los metales, pero por razones obvias, se trata de instrumentos de metal, por lo que realmente no ha lugar esa distinción. También el número de músicos puede variar: hay veces que aparecen 8 trompas, otros diferentes tipos de trompetas, etc. Existen asímismo otros instrumentos que se usan esporádicamente en la orquesta, como las tubas wagnerianas. Strauss (el bueno) o Bruckner lo hacen. En lugar de tener un músico específicamente dedicado a tocar la tuba wagneriana (que tocaría un par de semanas al año y se pasaría el resto del tiempo cobrando en una playa del Caribe), generalmente los intérpretes de trompa pueden tocar dicho instrumento. Tanto la boquilla como la digitación son similares a las de la trompa.

En cuanto a la percusión, lo básico son los timbales, generalmente en número de 2 o 3. Y luego, de aquí al infinito: cajas, tambores, panderetas, triángulos, platilllos de todos los tamaños, tam-tam, castañuelas, címbalos, xilófonos, vibráfonos, yunques… cualquier trasto que produzca algún ruido al golpearlo se puede considerar de la familia de la percusión. El intérprete de percusión es capaz de tocar todos los instrumentos de este tipo. Generalmente el que toca los timbales se ve dispensado de “ensuciarse las manos” con otros instrumentos. Si alguien me va a preguntar si el fulano que se pasa todo el concierto esperando para tocar al final un par de platillazos cobra lo mismo que yo, le digo desde ahora que sí, que cobra lo mismo… ¡cuántas veces me he preguntado si he elegido mal el instrumento…!

Algo parecido pasa con las arpas, que suelen ser 1 o 2. En cuanto a los teclados, generalmente se contrata a un músico de fuera para tocar el piano, clave, celesta, órgano, etc. Aunque hay orquestas que lo tienen en plantilla y lo aprovechan, aunque no toquen en el concierto, para usarlo en los ensayos sin orquesta. Por ejemplo, si hay un concierto con cantantes y el director quiere adelantar trabajo sin perder tiempo de orquesta, puede hacer algún ensayo con los cantantes y el pianista, que tocaría la reducción en el piano.

Esta sería una plantilla mínima para un concierto. Lo que pasa es que generalmente la orquesta es mucho más grande: para los papeles solistas de maderas, metales y cuerdas suelen haber 2 músicos, que se van turnando entre ellos. Algunos lo hacen por semanas y otros lo hacen en el mismo concierto: en la 1ª parte actúa un solista y en la 2ª otro. Hay orquestas en las que también la orquesta está sobredimensionada, de manera que en cada programa hay uno o dos violines primeros, por ejemplo, que libran. Y lo mismo en el resto de la cuerda.

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 05-07-10 0:00 
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¿Los instrumentos de la orquesta son propiedad de los músicos?

Pues unos sí y otros no. La norma general es el tamaño: los instrumentos de madera son personales, así como los de cuerda. Los contrabajos también suelen ser personales, aunque hay orquestas que cuentan con su propios instrumentos. La percusión pertenece generalmente a la orquesta, así como arpas, pianos, etc. Y en cuanto a los metales, a veces tocan con instrumentos de la orquesta y otras con instrumentos propios. Todo músico que aporte su instrumento percibe una compensación económica por ello (es como si el mecánico aportara sus llaves inglesas), así como el mantenimiento y la sustitución del material que se ha de cambiar: cuerdas, cerdas para los arcos, cañas para los clarinetes y oboes, etc. Asímismo existe un seguro que cubre las contingencias que puedan ocurrir en giras o en el trabajo diario (desperfectos, robos, etc.)
En cuanto a los instrumentos que se usan esporádicamente, a menudo se alquilan para la ocasión (por ejemplo las tubas wagnerianas), con una cierta antelación para que el músico que los va a utilizar se familiarice con ellos.
Existen orquestas en las que también hay algunos valiosos instrumentos de cuerda a disposición de concertinos o solistas. Pero generalmente el músico de cuerda prefiere aportar su propio instrumento, ya que se trata de una relación muy personal y no es fácil cambiar a menudo de instrumento: las medidas, aunque sean muy parecidas, siempre cambian mínimamente.

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 05-07-10 0:01 
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¿Hay que ser un virtuoso de un instrumento para llegar a tocar en una orquesta profesional?

Por supuesto que no, y el caso más cercano soy yo mismo.
Como en todo, habría que matizar muchas cosas. Hay puestos en una orquesta en los que se necesita un “plus” para desempeñarlos con dignidad: un concertino, por ejemplo, que se enfrente a Vida de Héroe, Zaratustra, Scherezade, etc, tiene que tocar mucho su instrumento, sin duda. Por ello, para el puesto de concertino suelen haber pruebas específicas, ya sea al entrar en la orquesta o, una vez dentro, si se convocan pruebas internas.
Casos similares se podrían aplicar al solista de violonchelo, viola, o a los solistas de maderas y metales: es cierto que generalmente se trata de músicos con un cierto nivel por encima del resto. Es delicado, sin embargo, decir que son músicos “mejores”: todavía no existe un aparato electrónico que cifre la excelencia de un músico con sólo pulsar un botón, de manera que todo ello es muy subjetivo. Para la admisión o recolocación de los músicos en la orquesta, a fin de ocupar esos puestos de más responsabilidad se suelen convocar pruebas con el director artístico y unos cuantos representantes de la propia orquesta. Eso varía de un sitio a otro: hay orquestas en las que todos los integrantes votan a la hora de tomar esas decisiones.
De hecho, a menudo los propios solistas o concertinos de una orquesta son invitados a tocar como solistas conciertos en la propia orquesta, de manera que su nivel tiene que ser bastante bueno.

En el caso de los “tuttis” de cuerda, que sería el de la mayoría de los músicos de una orquesta, el nivel tiene que ser estimable, pero no hace falta que sean unos superdotados ni unos virtuosos. Pero sí que tienen que tener unas características algo especiales. Ya hemos dicho más arriba que, por ejemplo, la cuerda de violines primeros se compone de 16 músicos.Pero lo que quisiera destacar es que, por ejemplo, esos 16 violines primeros están tocando exactamente todos las mismas notas, en el mismo momento, con la misma articulación, ritmo, hasta intentar sonar como un solo instrumento. Es por ello que un integrante de la sección de cuerda de una orquesta tiene que ser, ante todo, flexible: tiene que ser capaz de amoldarse al grupo sin resaltar; tener un buen sentido rítmico, ya que si cada uno se va tomando libertades, el conjunto puede sonar totalmente desunido. Debe tener una sonoridad que empaste con el grupo, sumándose pero sin destacar. Ello incluye una afinación muy cuidada (recuerdo que los intrumentos de cuerda de la orquesta no tienen trastes como la guitarra, por ejemplo, con lo que no tenemos las notas “hechas” y tenemos que irlas buscando con mayor o menor acierto. Ahí es donde el estudio y la experiencia ayudan, de manera que al final parece que resulta fácil afinar perfectamente, cuando en la realidad se trata de un trabajo muy meticuloso: en un violín, las distancias entre la nota afinada y la desafinada se podrían medir en unidades menores al milímetro.
También deben tener una expresión contenida, un vibrato flexible y variado, y sobre todo, en suma, ser muy dúctiles a la hora de adaptarse a lo que pide la partitura o el director.
Esta sería la primera gran diferencia entre un violín solista que toca un concierto y un violín tutti de una orquesta: mientras que el solista se puede tomar muchas libertades a la hora de tocar su parte (vibratos, portamentos, expresión, etc.), un tutti tiene que evitar hacer lo que le da la gana o lo que le pide el cuerpo, tiene que sacrificarse en cierta manera en bien del grupo.
A menudo he presenciado oposiciones para admitir a nuevos músicos en la orquesta (también como integrante del tribunal), y realmente lo que se busca no es el típico violinista virtuoso, que toca muchas notas de una forma brillante aunque algo descontrolada, sino más bien el músico pulcro, cuidadoso con las dinámicas exigidas en la partitura y con bastante énfasis en el estilo de cada compositor: no podemos tocar Mozart como si fuera Mahler: las dinámicas no son tan extremas, la articulación tiene que ser mucho más acusada, no se pueden hacer portamenti o glissandi en Mozart, y el vibrato tiene que ser mucho más comedido, por poner un ejemplo.

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
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¿Cuál es la función del solista de cada sección de cuerda?


Al frente de cada sección de la cuerda encontramos a quien sería como su jefe: el solista. Así encontramos al contrabajo solista, violonchelo solista, viola solista, violín segundo solista y, en los violines primeros, el concertino.
La función de los solistas de cada sección sería la de “conducir” a su grupo, intentar que todos toquen de la misma manera. Esto se consigue a través de pequeños gestos que ayudan a que los de atrás tengan la seguridad de tocar en el momento preciso. Por otra parte, son los responsables de que cada sección interactúe con las otras de la manera adecuada. Al estar en la parte más cercana al director, y cercanos entre ellos, realmente serían como los integrantes de un cuarteto de cuerdas, con el añadido de que tienen detrás a un montón de gente que está tocando lo mismo que ellos. Aparte, a menudo tienen que abandonar su “papel” y tocar algunos pasajes en solitario: todos recordamos solos de violonchelo, viola,contrabajo, etc.

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 05-07-10 0:02 
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¿Y la del concertino?


El papel del concertino sería el mismo que el de los otros solistas, pero además tiene otras responsablidades. En la jerarquía de una orquesta se sitúa en lo más alto: aparte de ser responsable de su sección, en él recae la responsabilidad de la cuerda entera y, a menudo, de toda la orquesta. Sería como un enlace entre el director y la orquesta: el director hace un gesto, y el concertino tiene que “traducir” dicho gesto de manera que sus colegas lo entiendan y consigan ir juntos y tocar de la misma manera. Tomemos, por ejemplo, un final en pianisimo donde un director tiene que marcar unos pizzicatti de toda la cuerda. Habremos visto en DVDs que el director hace un cierto gesto y el concertino, a su vez, hace otro diferente, mucho más claro e inequívoco. La finalidad de este gesto es que el pizzicato de 60 personas suene al mismo tiempo. A menudo, junto al pizzicato tiene que sonar un acorde de, por ejemplo, las maderas. Intentar coordinar el gesto para producir un suave acorde de las maderas junto con un pizzicato de las cuerdas es complicado, por lo que el concertino toma la responsabilidad de ocuparse del pizzicato.
Todo esto suena más difícil de lo que realmente es; la idea es que, por ejemplo, a la hora de una entrada simultánea, un final de nota, un cambio de tempo, etc., alguien tiene que tomar la responsabilidad de liderarlo (recordemos que en inglés se le suele llamar al concertino “leader”), y es más sencillo que sea el concertino, que está en el centro de la orquesta, generalmente a la vista de todos los músicos. El director tal vez en dicho momento tenga que estar pendiente de otras cosas, y lo que no es práctico es que por diferentes partes de la orquesta todos tomen sus iniciativas, a su bola.
Por supuesto que este trabajo puede ser bien realizado, de manera discreta, pero a menudo vemos en concierto o en DVDs al típico concertino que se pasa todo el rato haciendo gestos y pegando cabezazos, casi marcando el compás a sus “subordinados”. Realmente no hace ninguna falta. Es mucho mejor permanecer discretamente, y tan solo cuando su intervención es necesaria, hacer el gesto concluyente que hace falta. Si te pasas el día haciendo movimientos y contorsiones, cuando tienes que hacer un gesto necesario, los otros ya ni se dan cuenta.

Por supuesto que aparte el concertino tiene a menudo solos para su instrumento, como ya hemos señalado anteriormente. Aunque parezca una cosa obvia y que no requiere ningún ajuste especial, en realidad es difícil ir “cambiando” de papel entre el sonido de un tutti y el de un violín solo: la expresión tiene que ser diferente, se admite otro vibrato, otra forma de tocar, algún portamente, etc.: una serie de cosas que, tocando en grupo estarían fuera de lugar.

Otra de las funciones del concertino suele ser la de preparar las partituras de la cuerda con antelación, a fin de que todos los arcos estén puestos. Me explico: si véis un concierto y os maravilláis de que todos los violines toquen con los mismos arcos: ahora hacia arriba, ahora abajo, ahora cambiando, ahora suelto, ahora saltando, ahora legato… todo esto está escrito en la partitura por medio de unos signos que han sido puestos de antemano. Raramente el compositor suele escribir esos signos: tan solo indica las ligaduras, los puntos encima de las notas que quiere más cortas, los matices y poco más. El concertino, pues, tiene que cogerse todas las partituras de los cinco grupos e ir colocando trabajosamente los arcos y articulaciones, con varios propósitos: que todos vayan juntos y que la articulación sea la mejor para el efecto deseado. Es un curro enorme, pero en la práctica, la cosa se reduce mucho. Generalmente, las partituras del archivo de una orquesta ya cuentan con las arcadas apuntadas de un concierto anterior. Tan sólo a veces se cambia alguna cosa durante los ensayos, si el director o el concertino quiere mejorar algo. Incluso a veces es el mismo director invitado el que viene con sus partituras en la maleta, para ahorrar tiempo de ensayo y conseguir más fácilmente su versión.

Y, aparte de todo esto, el papel del concertino es el de máximo representante de la orquesta en el escenario: es por ello que el director le da la mano al comenzar el concierto y en los saludos, aunque no haya tocado ni una nota de solo. Es una manera de simbolizar el agradecimiento del director hacia la orquesta. E incluso, este puesto de representante tiene unidas ciertas funciones contrarias: en un ensayo el concertino puede llamar la atención al director de una manera más o menos discreta acerca de algún aspecto del ensayo, e incluso, puede dar por finalizado el ensayo si el director se está sobrepasando en sus funciones o incurriendo en mala educación o casos similares.

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
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¿Y en los vientos, qué función tienen los solistas?

En los vientos la cosa es algo más simple, aunque no más fácil. Generalmente la función del solista de viento es esa precisamente: la de tocar solo. Así como en la cuerda una melodía puede estar tocada por 16 músicos, generalmente un oboe (o una flauta, clarinete, etc.) está tocando su melodía él solo. Por supuesto que ello no ocurre todo el tiempo: en una sinfonía de Beethoven, si miramos la partitura veremos que en una gran parte las notas que toca el oboe ya aparecen al mismo tiempo en la cuerda, o en la flauta, clarinete, etc. Tan solo en algún pequeño momento o intervención aparece un pequeño fragmento tocado por él solo.
Es un papel realmente comprometido, ya que no puede haber ningún fallo: si lo que tienes que tocar tan sólo lo tocas tú, pues hay mucha presión. Igual que un concertino en su solo o un solista de chelo o viola.

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 05-07-10 0:02 
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¿Por qué se afina siempre con el oboe?

Pues no lo tengo muy claro, la verdad. Supongo que se trata de una convención como cualquier otra. Hay gente que dice que el sonido del oboe es muy penetrante e inequívoco, para facilitar la afinación a otros instrumentos. También hay quien dice que es más fiable en cuestiones de afinación: una flauta o un clarinete pueden variarla más fácilmente por medio de los labios. No creo que sea por ello. Me inclinaría más por la primera idea: su sonido es penetrante y se distingue con claridad la afinación de la nota.
El caso es que en todas partes es el oboe el que da la nota para afinar. El concertino se pone en pie, para reclamar silencio (sobre todo al público que se acomoda en sus asientos) y el oboe toca el La a 440 o 442 Hz (últimamente se suele utilizar éste último). Para elo suele tener en el atril un afinador electrónico que le señala si la nota que está tocando es exacta. Luego, el procedimiento varía de orquesta a orquesta. A veces afina la cuerda primero, incluso por secciones, luego la madera y el metal. Cuando en el escenario se emplean instrumentos de teclado ya previamente afinados (un piano, órgano, etc), el oboe tomará su nota después de haber sonado el otro instrumento.

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 05-07-10 0:03 
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¿Cúantos ensayos son necesarios para un concierto?

El número de ensayos es variable, y depende de muchos factores: calendario, disponibilidad del director, si se trata de un programa normal o una ópera, etc. Generalmente es el director titular o artístico el que fija el número de ensayos para cada programa, de acuerdo con todos estos factores. Si interviene algún director invitado, puede pedir más ensayos y alguna vez se le conceden, pero generalmente el calendario ya está fijado con bastante antelación.
Para un programa normal, que podría consistir en una obertura o pieza corta, un concierto con solista y una sinfonía, en mi orquesta se suelen hacer 4 ensayos, más uno general. El programa de trabajo de los ensayos ya es responsabilidad del director de turno. Es él el que se va distribuyendo el trabajo según su criterio. Generalmente el concierto con solista se ensaya el día de antes del concierto, ya que los solistas suelen aparecer a última hora. Si es necesario se ensaya con antelación, sin el solista, para que cuando llegue no haya que perder tiempo. Y en el ensayo general (en teoría), el propósito es reproducir lo que va a ser el concierto, sin interrupciones. En la práctica, de todas formas, tras cada movimiento, el director puede repetir algún pasaje si quiere corregir alguna cosa. Pero si lo que pretende es agotar el tiempo y conseguir así otro día más de ensayo, la orquesta se irá rebotando y a veces el concertino le informará de que se trata de un ensayo general…

En orquestas de ópera el número de ensayos suele variar. Suelen ser unos 10: unos 4 de orquesta sola, dos o tres con cantantes pero sin escena (a la italiana, como se suelen llamar), otro par con movimiento de escena, otro ya con trajes, un pregeneral y un general. Además, los ensayos suelen durar más. Yo tuve la ocasión de estar en una orquesta de ópera, en Madrid, durante 4 años, y los ensayos solían durar 5 horas, con dos descansos. Bastante pesado. Mi amor actual a la ópera y a Wagner en particular viene de aquella época…

Sobre esto de los ensayos no me resisto a citar una anécdota que revela el desconocimiento que existe por parte de gran parte de la población: en la típica conversación de ascensor con algún vecino, tras enterarse de que lo que llevaba encima no era una escopeta, sino un violín, se quiso enterar de mi trabajo. Lo típico:
• ¿Y cuándo tocáis?
• Pues todos los viernes…
• Joder, pues menudo trabajo, un día a la semana; ¿y el resto de días trabajas en otro sitio?

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 05-07-10 0:03 
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¿Cuál es el trabajo de un director durante los ensayos?

Sobre esto también existe bastante desconocimiento y mucho de mito.
Generalmente, en una orquesta profesional, cuando el director llega al ensayo y se presenta (o se le presenta), los músicos ya conocen sus partes y las han preparado de antemano. Unas semanas antes de dicho ensayo ya tenemos disponibles fotocopias de lo que vamos a tocar, a fin de ir adelantando el trabajo individual. En un ensayo es imposible que todos lean a primera vista, con los consiguientes errores que puedan haber aquí o allí. El tiempo de ensayo es precioso y limitado y hay que sacarle el máximo rendimiento.
Bien, pues si suponemos que ya todos conocen su papel, la cosa sería fácil: el director da la entrada y todo funciona a la perfección. Pero no suele ser tan fácil.
Primero de todo, cada director tiene su versión preparada: del estudio preliminar que ha hecho ha intentado imaginarse lo que quiere oír en cada momento: aquí quiero escuchar al 1º oboe, aquí a los contrabajos: aquí la 3ª trompeta… Todo basándose en el analisis de la partitura, identificando los temas principales, secundarios, etc.
Por ello, uno de sus objetivos en el ensayo es el de equilibrar la masa sonora para resaltar en cada momento lo que él considera que debe ser resaltado.
Por supuesto, todos han de tocar juntos. El director da una anacrusa y todos deben comenzar al mismo tiempo. La anacrusa (upbeat, auftakt, levare) consiste en un gesto realizado antes de que comience a sonar la orquesta, de manera que los músicos sepan exactamente dónde comenzar y a qué velocidad. Es como lo que hacen en los grupos de rock malos: uno, dos, un dos tres cuatro… Lo que pasa es que en una sinfonía de Bruckner quedaría algo cutre. El gesto suele ser bastante claro (debería ser, vamos), y suele consistir en marcar uno o dos tiempos con la misma velocidad que la unidad de tiempo posterior.
Bien, una vez todos en marcha, se pueden ( y deben) producir fluctuaciones en el tempo: rallentandos, ritardandos, accelerandos, cambios de tempo, etc. Todo eso debe ser marcado claramente por el director, para evitar tener que parar cada vez y explicar: “voy a hacer este rallentando así:…”. En resumen, consiste en unificar los diferentes criterios de 80 personas de la manera en la que el director quiere que salga. Esto a veces sale a la primera y a veces hay que repetirlo.
Por supuesto que si hay errores, el director debe darse cuenta, identificarlos y corregirlos. A veces son errores de lectura, o erratas en los papeles, o simples desajustes. No me resisto a citar la anécdota del director que, en medio de un adagio en pianísimo, al timbalero se le cae algo en el timbal, provocando un estruendo. Pues bien, el director, parando a la orquesta, mira la partitura y pregunta ¿quién ha sido?
Si hay desajustes, por ejemplo, en una frase de las violas, pues el director puede hacerles tocar solamente a su sección, hasta conseguir que vayan todos juntos. Asímismo, puede solicitar pequeños ajustes en la afinación de tal o cual acorde, para conseguir otros efectos o porque, simplemente, suenen desafinados.
También entra en su trabajo indicar anticipadamente las entradas a solistas o grupos de instrumentos. No es que hiciera tanta falta, ya que en las partituras individuales de los músicos, aparte de las notas que tocamos, están los compases de espera que no tocamos y que debemos contar, o sea que en teoría entramos sin necesidad de entradas. Pero, para mayor seguridad, el director suele hacerlo, tambièn por razones musicales: en un fugato por ejemplo, cada vez que entre una voz nueva el director le dará la entrada, a fin de resaltarla y que los músicos que la interpretan lo hagan con mayor seguridad y convencimiento.
Habría que añadir que el director, por encima de todo y tras este trabajo de disección y montaje, tendría que intentar “montar” la obra globalmente, intentando que forme un todo, con sus momentos de tensión, relajación, climax, etc. Todo ello lo tiene que conseguir sobre todo equilibrando masas sonoras, sujetando por aquí, soltando por allá…

Por otra parte está el trabajo de un director cuando hay solistas por en medio: un pianista, violinista, cantantes… Se trata en este caso de un trabajo muy diferente. A veces se ensaya la obra sin el solista, tan sólo la orquesta, para ver si hay problemas, fijar algunas cosas y tal. Luego, generalmente el director queda con el solista a solas o con un pianista para ver cuál es la versión del solista o cantante. Así, cuando se hacen los ensayos con orquesta, el director ya sabe de qué va la cosa y puede anticiparse a las cosas que va haciendo el solista. Acompañar es realmente dificil para un director: un solista se supone que ha estudiado mucho su concierto y tiene una versión propia, por lo que el buen director no tendría que hacerle cambiar nada, sino colaborar en lo posible. Pero de todo hay en la viña del señor, y siempre encontraremos al típico directorzuelo que quiere imponerle un tempo o una versión al solista, incapaz de dejar de ser el centro del universo. En estos casos, el mejor director es el que no se nota: colabora con el solista, se anticipa a sus deseos y consigue que la orquesta vaya muy ajustada con él.

Tampoco me resisto a la anécdota de un director que no acompañaba bien a un solista en un ensayo, dando las entradas siempre tarde. El solista se le queja y el director, muy digno, le replica: “pero si en todo momento le estoy siguiendo a la perfección”, y el solista le dice “vale, pero a ver si alguna vez me alcanza, en lugar de seguirme…”

La verdad es que en los acompañamientos es donde se nota la calidad de un director. Si imaginamos, por ejemplo, un pianista que acompañe a una cantante, por ejemplo. Si la cantante respira en un lugar determinado y por ello hace una pequeña pausa, en otro momento canta el texto más rápido de lo que está escrito porque lo siente así, y en otro momento hace lo contrario, o sea, hace un ritardando, el pianista si es bueno lo pillará todo a la primera, y la acompañará en sus fluctuaciones de buen grado, sin imponerse ni intentar que la cantante cambie su manera de cantar. Pues imaginaros lo mismo con una orquesta, con la dificultad añadida de que, si no hubiera director, a la cantante la podrían acompañar los que estén más cerca, pero seguramente el que está en el último atril o el trombón ni la escucharán. El director, pues, tiene que escuchar muy atentamente a la cantante, entender lo que está haciendo, anticiparse a lo que va a hacer y, a su vez, transmitir todas esas fluctuaciones a la orquesta de una manera tal que lo entiendan todos y el resultado sea un acompañamiento atento y flexible.

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 05-07-10 0:04 
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¿Y durante los conciertos?

Pues, a pesar de que el concierto es el momento en el que el público está atento al director y se maravilla de la forma en que la orquesta le hace caso, de sus gestos, sus posturas y piruetas, en realidad sin los ensayos previos todo esto no serviría de casi nada. En los ensayos el director ha explicado o marcado a la orquesta lo que va a hacer en cada momento, por lo que en realidad no hay (o no debería haber) ninguna sorpresa. Cuando marca un ritardando, por ejemplo, la orquesta ya sabe de qué manera va a ser dicho ritardando. O cuando da una entrada, los músicos ya han contado por su parte sus compases de espera, por si acaso…
En realidad no todo es tan previsible, a menudo en el mismo momento del concierto un director suele incluir alguna indicación nueva, según el criterio del momento. Si, por ejemplo, unos instrumentos suenan demasiado fuerte en cierto momento, mediante gestos de las manos les hará disminuir el volumen, o al revés. O, tal vez, si durante la interpretación se ha conseguido un plus extra de tensión, pues tal vez haga algo más de rallentando, o alguna pausa más larga de lo acostumbrado. La orquesta estará atenta a sus indicaciones y, si no se trata de que se la ido la olla, suelen seguir sus indicaciones.



Bien, esto es todo. Si se os ocurre alguna pregunta más, no dudéis en preguntar. Si sé contestarla, lo haré, y si no me lo inventaré sin problemas…

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 05-07-10 0:10 
Director de Orquesta
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Registrado: 20-02-06 18:56
Mensajes: 357
Pero que calidad de intervención.. :shock: :shock: :shock: :shock:


Muchas gracias, Sync, por tantas y tan buenas aclaraciones.


Una preguntita que va sobre el asunto; la colocación de los instrumentos.

Creo recordar que ya se trató alguna vez en el foro; pero me gustaría conocer tu opinión. ¿Qué criterios se siguen en su colocación? ¿Quién es el responsable? etc

Parece que los primeros violines siempre están en el mismo sitio, pero el resto de instrumentos ¿? , unas veces las violas aquí, otras allí... y así con todos.

:wink:


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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 05-07-10 10:28 
Moderador
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Registrado: 23-01-07 22:01
Mensajes: 2253
Zang-Hano escribió:
Una preguntita que va sobre el asunto; la colocación de los instrumentos.

Creo recordar que ya se trató alguna vez en el foro; pero me gustaría conocer tu opinión. ¿Qué criterios se siguen en su colocación? ¿Quién es el responsable? etc

Parece que los primeros violines siempre están en el mismo sitio, pero el resto de instrumentos ¿? , unas veces las violas aquí, otras allí... y así con todos.

Efectivamente, la colocación de los instrumentos, sobre todo los de cuerda, puede variar. El criterio suele ser el del director artístico de la orquesta, o lo que es lo mismo, cada orquesta suele tener su colocación más o menos fija y no la suele cambiar de semana a semana. Generalmente son los directores invitados los que se tienen que amoldar a lo que tienen. Un cambio tan frecuente de colocación sería un mareo constante para los músicos, que necesitan sus referencias claras de dónde están los otros instrumentos con los que tienen que tocar.

Por ejemplo, en mi orquesta se ha tocado toda la vida con la colocación clásica de más agudo a más grave: delante del director, de izquierda a derecha, violines 1º, violines 2º, violas y chelos. Y los contrabajos a la derecha del todo, detrás de los chelos. Pero con nuestro último titular ahora las violas y los chelos se han intercambiado las posiciones, y los contrabajos tocan algo más al fondo, a la derecha. Hay directores que sostienen que de esta forma la parte grave (chelos y bajos) parece que proyecta más el sonido hacia el público.
Esta colocación se usa mucho ùltimamente, de hecho ya hace muchos años que se viene usando: si vemos DVDs de Bernstein con la Wiener Philharmoniker o de Karajan con la de Berlin, ya usaban esta colocación.
Existe otra colocación menos usada, que es el intercambio de posiciones entre 2º violines y chelos. De esta manera, primeros y segundos violines tocan enfrentados. En algunos repertorios eso puede favorecer el diálogo entre los dos grupos, pero de todas formas no es una colocación muy extendida.
De hecho, los cuartetos de cuerda también suelen alternar ambas posiciones, de agudo a grave o con el chelo enmedio. O sea, que la cosa no acaba de estar normalizada.
Algunas veces habremos visto a los contrabajos en el fondo, como en el Musikverein en el Concierto de Año Nuevo. En ese caso estoy casi convencido de que no existe una razón acústica para ello, más bien es un problema práctico porque dicho escenario no es excesivamente grande y los contrabajos "encajan" perfectamente en los huecos al fondo del escenario. De hecho, Bernstein con la misma orquesta y el mismo escenario colocaba los contrabajos tras los chelos.

En cuanto a los vientos, la cosa está mucho más normalizada: en la primera fila flautas y oboes, en la 2ª clarinetes y fagotes y en la 3ª trompetas, trombones y tuba. Las trompas sí que suelen cambiar de sitio a veces. en ocasiones las veremos, en dos filas, a la izquierda de los clarinetes y en otras ocasiones a la derecha de los fagotes.

Un detalle que no viene a cuento pero que se me ocurre comentar es que a veces, en los ensayos (y también en los conciertos), entre la fila de los clarinetes y fagotes y la de los metales existen una serie de pequeños biombos transparentes, colocados como atriles. Para los clarinetes y fagotes es un suplicio estar siempre escuchando a escasos centímetros de distancia el poderío sonoro de los metales. Dichos biombos dejan pasar el sonido entre ellos, pero evitan proyectarlo directamente sobre los oídos de sus sufridos compañeros.

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 05-07-10 12:09 
Genio de la Música
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Registrado: 16-04-07 22:22
Mensajes: 3950
Ubicación: Pamplona-La vieja Iruña.
Gracias sync por tus interesantes explicaciones.
Yo tengo dos cuestiones.
Tenía entendido que la colocación de la orquesta iba en semicírculos, el primero de los cuales esta compuesto por los mas importantes en cada sección, es decir, el concertino o primer violín, el segundo violín, el primer clariente, la primera flauta, el primer oboe, las primeras violas, es decir, sus músicos de confianza.
Luego comentar que algunas veces he escuchado decir de algun director....es un buen concertante...y supongo que se refiere a la capacidad de conjuntar o concertar a todos los implícados en el concierto. ¿Todos los directores de orquesta lo son? o ¿hay algunos que se dedican mas a lucirse y dejar clara su impronta en el resultado final?.
Un placer leerte.

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 Asunto: Re: La orquesta desde dentro (preguntas frecuentes)
Nuevo mensajePublicado: 05-07-10 14:04 
Moderador
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Registrado: 20-03-07 20:16
Mensajes: 2878
Ubicación: zaragoza
De nuevo, un placer leerte, y si, tengo una curiosidad, cuando actua un solista con la orquesta, como son los ensayos?, ensaya toda la orquesta con el solista?
Un abrazo.

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