Hola Magerit, pues no sabes la envidia que me da el que hayas podido escuchar en directo esa inmensidad que es "El Arte de la fuga". Aquí en Valencia tal cosa es prácticamente imposible desde que desapareció el ciclo de cámara del Palau, unos ciclos en los que pudimos disfrutar de los mejores solistas y grupos internacionales. A lo que vamos: Sí, comprendo que El Arte de la fuga no es, de entrada, lo más directamente disfrutable de Bach, pero...dale tiempo. Casi te podría asegurar, por las crónicas tuyas -que me encantan- que voy leyendo por aquí, que acabará siendo tu obra de referencia bachiana ¡Tiempo al tiempo! Por supuesto que es una obra difícil. De hecho, no se me ocurre en estos momentos otra obra de tamaña complejidad. Pero cuando consigues "entrar en ella", disfrutar de toda su complejidad contrapuntística, seguir las diferentes variaciones temáticas y líneas de contrapunto, se convierte en obra de referencia. Como ya conoces de sobra el tema principal, como aficionado te recomiendo que no la escuches toda de tirón en un principio. Se pueden escuchar unas cuantas variaciones, con toda la concentración que la escritura requiere, olvidarse un poco de ella, y después volver. Siempre encontrarás maravillas. La última versión que he escuchado y que me gusta mucho -las diferentes líneas de contrapunto están muy bien "diferenciadas"- es la del cuarteto Emerson.
La tienes en Spoti:
https://open.spotify.com/album/0pqxzlQaIUfPWF4N4jq8jk

A ver si el amigo Sync conoce esta versión y tiene a bien comentarnos su docta opinión.

Docta, seguro que no. Pero si se me pide opinión, la doy

Recordando que Bach no especificó instrumentación alguna para esta obra, hay versiones de órgano que son muy buenas, pero inevitablemente al final resultan muy monótonas de escuchar. Por lo que en este caso el hecho de hacer una transcripción o instrumentación tiene todo su sentido y no debe considerarse una herejía ni nada fuera de lugar.
A ver, siempre he sostenido que Bach suena igual de bien en cualquier instrumentación. Y en este caso también lo suscribo: la versión del Emerson es muy buena: está muy bien tocada, es respetuosa con la partitura, etc. Pero cada uno tiene sus manías, y mi opinión del Emerson es que con los años ha ido perdiendo interés. Su grabación de los cuartetos de Bartok es antológica, de lo mejorcito. Pero luego, cada cosa que les he escuchado me ha ido dejando cada vez más frío, e incluso, con el tiempo, me ha ido gustando cada vez menos. Nunca ha sido un cuarteto que haya destacado por "comprometerse" en cada compositor: prácticamente todo lo tocan igual: muy bien, muy correctos, con un sonido muy bonito, pero poco personal, con pocas diferencias de compositor a compositor. Además, con los años, lógicamente se hacen mayores, y algunas características que al principio no molestaban en exceso ahora las encuentro bastante inaguantables. En especial su vibrato, que cada vez es más lento y ancho. Especialmente en Eugene Druckler. El sonido del viola Dutton cada vez es más nasal y oscuro, ya no empasta en absoluto con sus brillantes colegas del violín. Y la afinación del chelista es más extremada, más sesgada hacia lo que se conoce como "afinación expresiva". Y eso me molesta, en especial en el violonchelo.
En todo caso, entendedme que todo eso son manías muy personales: su versión es muy buena, pero como yo ya voy avisado, pues solo le veo defectos...

Aprovecho para comentar otro par de versiones, muy diferentes: la antigua de Marriner, por ejemplo. En este caso optó por una instrumentación muy variada, que alternaba números en órgano, otros en cuarteto de cuerda (en ocasiones con el muy oportuno refuerzo de un contrabajo) y otros con un cuarteto de maderas (2 oboes, corno inglés y fagot). Tan solo me sobran estas últimas versiones, porque son instrumentos con timbres muy diferentes que creo que no funcionan en una obra tan contrapuntística y "abstracta" como esta. Y lo que más me molesta de esta instrumentación es que a veces, a lo largo de una fuga o contrapunto, cambia de improviso entre la cuerda y las maderas. Y no es que quede mal desde el punto de vista musical, de claridad de las voces. Es que no me gusta, simplemente. Pero, salvando estos momentos, es una versión muy musical.
Y, por supuesto, la versión del Musica Antiqua Köln no puede faltar: instrumentos originales estupendamente tocados, algunos contrapuntos tocados en un clave con un sonido exquisito, y en conjunto una versión hermosísima.
Y una última, la de Bernard Labadie con su orquesta, Les violons du Roi. Es una instrumentación para orquesta de cuerda y continuo, aunque algunos números están tocados en clave solo o en órgano. Como curiosidad, incluye una posible continuación de la fuga incompleta a 3 Soggeti, escrita por Davit Moroney y reinstrumentada por Labadie. Las interpretaciones de Labadie sobre Bach son muy interesantes: tanto esta como las variaciones Goldberg son muy atractivas: una orquesta con instrumentos modernos, pero una manera de tocar muy idiomática. Sus transcripciones siempre me han parecido de lo más respetuoso y atractivo. Al rato, parece que la obra hubiera sido compuesta originalmente de esa forma.

Ayer, en el Palau de la Música de Valencia

Fanny Mendelssohn, Obertura en Do M
Matilde Salvador, El ruiseñor y la rosa, ballet
Clara Schumann, Concierto para piano en La m

Claire Marie Le Guay, piano
Orquesta de Valencia - Beatriz Fernández

Es evidente que en Valencia, y por ende, en el Palau, ha habido cambios con el cambio de gobierno. Yo soy el primero en aplaudir que se haya producido dicho cambio, pero por otra parte, estamos presenciando algunos detalles que revelan una cierta improvisación. Y me explico. 8 de marzo, día internacional de la mujer. Con poco más de una semana de antelación se improvisa un concierto conmemorativo, a mitad de semana, con programa, directora y solistas femeninas. De manera que ha habido que incrustar dicho programa, dedicándole tan solo un par de ensayos, y con otras deficiencias como luego señalaré. Además justo coincidía la hora del concierto con una manifestación en el centro de Valencia por el mismo motivo. Con lo que se perdió mucho público que podría haber acudido, aunque fuera por la novedad.
De manera que el concierto, gratuito, registró algo más de media entrada, y de un público no habitual. De nuevo con una edad media muy elevada, por cierto. Parecía el día internacional de la abuela, si me permitís la broma.

Las intenciones artísticas eran buenas: tres compositoras de reconocida calidad, una solista solvente y, ay, una directora a la que, francamente, le venía grande todo el asunto. Beatriz Fernández ya había venido en otra ocasión, en un concierto para todos, con directores noveles. Es una chica que dirige alguna banda, pero que delante de una orquesta no parece que se encuentre excesivamente cómoda. Su técnica de dirección no es mala, pero es muy limitada en sus ideas musicales y, sobre todo, su manera de trabajar es muy elemental.
Por partes: la obertura de Fanny Mendelssohn parece ser que es su única obra orquestal, y no está nada mal. Recuerda muchísimo a la música de su hermano, pero mucho. La versión de Beatriz fue flojita: incapaz de mantener el tempo en los pasajes más potentes, se hacía pesada. Y eso, en esta música tan chispeante en ocasiones, es algo curioso y de resaltar.
La obra de Matilde Salvador no es nada mala. En principio, colocarla al lado de las otras dos podría parecer un pegote, pero la verdad es que fue una compositora bastante interesante. Valenciana (pero mucho valenciana, como diría aquel), incluye muchas melodías de la tierra, pero lo hace con bastante elegancia, de manera que no nos da la impresión de estar escuchando una más de las chabacanas valencianadas a las que, lamentablemente, estamos acostumbrados.
El ballet está muy fragmentado, muy caracterizado para los diferentes personajes. Lo malo es que la dirección lo fragmentó todavía más, haciendo ritardandi y calderón prácticamente cada cuatro compases o cada cambio de tempo. Y al final, una música que no está mal, que tiene una orquestación interesante de tipo impresionista, se hace eterna y como a trocitos. Una lástima.
En cuanto al Concierto de Clara Schumann, pues parece que es una obra de juventud, escrita nada menos que con 16 años. Una obra virtuosística para el piano, con pasajes chopinianos y con una cierta gracia, pero con alguna que otra debilidad. Interesante el segundo movimiento, escrito sólo para el piano y, más tarde, un solo de violonchelo, y el tercer movimietno, una especie de polonesa. Muy diferente, sin embargo, de otras obras de Clara Schumann, como su espléndido Trio en Sol m.
La solista, pues bueno, tocó todo lo que hay, con bastante seguridad, pero con un sonido monocorde, le faltó mucho más contraste de colores. De propina, tocó el preludio de la 1ª Partita de Bach, bastante bien. De nuevo quedaron patentes las limitaciones de la directora, a la hora de mantener el tempo que quería la solista, y con problemas para "pillar" lo que estaba haciendo ésta. En esos casos el trabajo de la orquesta es mucho más complicado: se nos plantea continuamente el eterno conflicto: ¿hacemos caso a lo que está marcando el director/a o hacemos caso a nuestro instinto y nuestro oído, tocando junto a lo que está haciendo el piano? porque además, la parte pianística no es en absoluto complicada de entender y de "meter" el acompañamiento, Pero si tienes alguien que, claramente, está marcando algo diferente a lo que oyes, al final ni miras a la batuta y te centras en escuchar y acompañar.

Dejando aparte el detalle de la improvisación del concierto, la verdad es que es una pena que, con un programa interesante y novedoso, una buena solista y una buena causa, todo falle al final por la parte de la batuta. Vale que queda muy bien tener una mujer dirigiendo, supongo que nadie a estas alturas me puede acusar de estar en contra de ello. Pero se podía haber buscado algo más bien. No digo de llamar a Nathalie Stutzman, pero sin ir más lejos, la murciana Virginia Martínez, que hace tiempo vino en algunas ocasiones, era una directora de mucho más nivel que la presente y que podía haber sacado mucho más partido de la ocasión.

Un programa interesante y una buena idea. Gracias Sync; como siempre una reseña estupenda

Hace un rato, en el Palau de la Música de Valencia

Bach, La Pasión según S. Mateo

Mark Padmore, evangelista / Otros solistas
Monteverdi Choir - The English Baroque Soloists - John Elliot Gardiner

Qué maravilla de concierto. He disfrutado un montón, y si digo que no se me ha hecho largo, tras casi tres horas, no digo ninguna mentira.
Lo primero que destacaría es la cuidadosa y matemática puesta en escena. Porque no es que lo hayan hecho escenificado; de hecho, la posición en el escenario era la normal en esta obra: las dos orquestas enfrentadas, los dos coros en el fondo y el evangelista y el bajo que cantaba el papel de Cristo, a ambos lados de Gardiner. Pero cuando había algún aria o arioso, algún miembro del coro bajaba a primer plano, cantaba y luego se retiraba. Asímismo, los instrumentistas que tocaban alguna aria importante se ponían de pie, e incluso se colocaban en el centro del escenario, tocando de memoria. Los movimientos de solistas e instrumentistas estaban cuidados hasta el más mínimo detalle, así como las indicaciones de Gardiner para levantar o sentar el coro. Todo como una máquina bien engrasada. Incluso, el coro se levantaba a veces lenta y silenciosamente, mientras que en otras ocasiones se levantaban de repente (nada silenciosamente), creando un efecto increíble. Asímismo, los números se enlazaban de una manera muy continua, sin pausa alguna, y todo cobraba un sentido muy diferente.
Otra característica que es de resaltar es que tanto el coro como los cantantes lo han cantado todo de memoria. Incluso el evangelista, que no para de hacer recitativos, lo ha cantado todo sin partitura. Qué cabeza... Asímismo, los dos violines han tocado sus arias de memoria (con un minúsculo lapsus en la que ha tocado el Ebarme Dich, lapsus que me da la impresión que sólo he notado yo...), así como la viola da gamba, flauta, etc.
Ya que estoy con los instrumentistas, todos son de una calidad increíble: se nota un grupo extremadamente cohesionado, pero que cuando hace falta salir y tocar solo, destacan sin problemas. Excelentes las dos violinistas en sus respectivas arias. Espectacular la flauta en "Aus liebe will mein Heiland...": un sonido purísimo y delicado. Los oboístas, muy bien en oboe y oboe d'amore, y algo menos buen en el oboe da caccia, con mucho ruido de llaves y algo menos de limpieza. La viola da gamba, estupenda, aunque con poco sonido (inevitable), y los instrumentistas del continuo, fantásticos. A resaltar que Gardiner no dirige los recitativos, y es admirable la precisión de violonchelo, órgano y a veces contrabajo, para atacar todos los acordes sin problemas. Y sin pegar cabezazos o ningún gesto. Qué alivio...
Sobre los cantantes no diré gran cosa, porque sabéis que no tengo ni idea. Padmore me ha encantado: aparte de los muchísimos recitativos, cantados con una expresión variada e increíble, en la única aria que ha cantado, "Ich will bei meinem Jesu" ha estado espectacular.

El resto de los solistas, pues de todo un poco, dentro de un nivel altísimo, claro. Algunos han pasado algún que otro apuro con los tempi de Gardiner, sin embargo. Y por último, el coro fantástico: no llegaban a 30, por cierto. a destacar que ambas orquestas eran bastante reducidas: cada una tenía 3 violines primeros, 3 segundos, 2 violas, dos chelos, contrabajo, órgano y maderas.
Con respecto a la orquesta, a destacar el empaste perfecto: una vez más me reafirmo en que en este tipo de obras, lo de tocar con instrumentos barrocos u originales ya no es una cuestión de modas: con la cuerda tan reducida, las dos flautas y, sobre todo, los dos oboes, empastaban a la perfección. Un oboe moderno, con todas sus ventajas, no empasta ni a tiros con la cuerda. O, por lo menos, requiere una cuerda mucho más sobredimensionada. El oboe barroco, aunque no tiene la seguridad de afinación e igualdad de timbre del moderno, tiene a cambio un timbre dulce que se mete dentro de las cuerdas y no molesta. Y no sé por qué he dicho lo de la afinación, porque creo que en toda la noche no he oído ni una nota desafinada: la perfección de esta gente es asombrosa.

Y ¿qué queda? ah, si, el director. ¡Qué manos! es asombroso lo que se puede expresar con un par de manos y nada más. A pesar de no conocer el texto ni tener ni puñetera idea de alemán, es que no se puede dirigir de manera más expresiva y variada, modulando absolutamente todas las frases de coro, solistas, instrumentistas. Pero es que además es un hombre muy seguro y lo que hace se entiende a la primera: a mí me dejan un violín y sin ensayar, sería capaz de entender todo lo que está marcando (soñar es gratis...) A menudo veo videos de directores que se dedican a este repertorio (Herrewege o el bobo de Norrington) y no entiendo nada de lo que marcan. Absolutamente nada: es milagroso que la orquesta toque más o menos unida. Con Gardiner no pasa nada de eso: todo lo que marca tiene un sentido. Sobre todo un sentido musical: para el coro debe ser una gozada trabajar con él, porque ha conseguido matices y fluctuaciones asombrosas. Además, con una imaginación y fantasía sin límites, y todo además al servicio del texto. Un ejemplo: las intervenciones del coro II durante el duo "So ist mein Jesus nun gefangen"; en un tempo absolutamente diferente a la plácida frase de las solistas, mucho más rápido y nervioso. El contraste me ha parecido novedoso y muy atractivo.

Bien, no sería yo si no sacara unas cuantas pegas, y de hecho ha habido unas cuantas cosas que yo calificaría de curiosas, más que errores o fallos. Por ejemplo, en el coro inicial me molestaba el registro sobreagudo del órgano cuando doblaba la voz del coral. Me parecía que sobresalía demasiado en el conjunto. Supongo que lo ha hecho para destacar el coral justamente. O la inclusión de dos flautas dulces en lugar de los traversos en el recitativo "O schmerz!". O el encomendar el aria de violonchelo "Geduld" a la viola da gamba. O la inclusión del clave, que tan solo ha tocado en un aria o dos. Para mí, el "jolgorio" del sonido del clave no pega con la Pasión, prefiero el órgano.
Bueno, ya no me enrollo más.

Querido Sync, el aria "Geduld, Geduld!" es original y es EL aria para viola da gamba, tocarlo en violoncello es un verdadero error, como también lo sería tocar en cello el aria "Es ist vollbracht" de la San Juan. Es exclusivo del repertorio de gamba.
Me alegro muchísimo que hayas disfrutado del concierto, Gardiner ha sido siempre mi preferido en el repertorio barroco, clásico y algunas cosas del romanticismo también. Siempre con una excelente elección de los tempi, musical, sin excesos y sobrio. Para mi gusto ha sido siempre muy superior a muchos directores de los similares, incluido Harnoncourt (que en paz descanse).
Cuando dirige sus orquestas como "The English Barroque Soloist" o "Orchestre Revolutionaire et Romantique" (mismos músicos, diferente nombre) el paquete está completo. Lo he visto dirigir otras orquestas con un resultado no tan bueno, PERO, una constante en él que no falla nunca es la elección de los cantantes, siempre impecable.
Salud maestro!

Pues fíjate, así como en "Komm, süsse Kreuz" no tenía nunca ninguna duda de que, evidentemente, es un aria para viola da gamba, junto con el recitativo que la precede, en la otra, "Geduld" no me había parado a pensar. En la partitura que manejo habitualmente (no todos los días, sino de vez en cuando ), que es la de Dover, o sea, reproducción de la Breitkopf & Hartel, la dedica al violonchelo. Y en versiones que he ido viendo así la tocan: he aquí una de Herrewege:


En cambio, en la edición de Eulenburg ya aparece escrito viola da gamba. Y, efectivamente, hay muchas versiones en youtube con dicho instrumento. Aquí, una de ellas tocada por Morticia Addams (Hille Perl)


En todo caso, pensándolo mejor, es cierto que incluso la escritura con ritmos constantes en puntillo le viene como anillo al dedo a la viola da gamba, por lo que tengo que darte la razón

Como nota curiosa para abundar un poco más en todo esto, en el concierto de ayer, la violista, Reiko Ichise, curiosamente tocó este aria, Geduld, leyendo la partitura, mientras que para la otra, Komm, se situó en otra parte del escenario y la tocó de memoria. ¿Contaría eso a mi favor en cuanto a que la primera de ellas a veces no se toca en viola da gamba y por eso no se la sabía de memoria?

Y ya, en el apartado de off topic: ¿por qué todas las intérpretes de viola da gamba frecuentan el look gótico? porque además de Hille Perl, la ya mencionada, Reiko Ichise, también tiene la misma pinta, pero en japonés...

De nuevo con el tema: al final, mosaiques, pensarás que soy un pesado y no me gusta reconocer mis errores...

Como curiosidad, he repasado lo escrito por el mismo Gardiner en su libro "Music in the Castle of Heaven" y, curiosamente, cuando habla de el aria "Geduld", entre otros muchos comentarios, siempre que se refiere al acompañamiento, habla por ejemplo de la contraposición entre las corcheas ligadas y los ritmos con puntillo sucesivos del cello. Y además, en varias ocasiones. Si lo quieres revisar, está en las páginas 420 y 421 de la edición Penguin en inglés. En ningún momento habla de la viola da gamba en relación a este aria. No deja de ser curioso.

Querido Sync, como violoncellista estoy tentado en decirte "Claro que si, es original para violoncello y suena mejor, bla, bla bla..." pero aprendí (demasiado tarde) que hay que darle al "Cesar lo que es del Cesar". A menos que todos los gambistas que he conocido me hayan mentido (puede pasar), siempre se consideró ese aria en particular para viola da gamba y debo decir, en favor de ellos, suena mejor en gamba que en cello.
Si Gardiner la hizo con gamba en el concierto, bueno, le creería más a él que a Herreweghe. Pero bueno, si quieren tocarla en cello, por qué no, ya le hemos robado un montón de repertorio a la gamba, que le hace un aria más.
Y lo de gótico en los gambistas, no lo sé. Hasta que no vea uno/a haciendo Death Metal...

Bueno, poco queda por añadir a la excelente reseña de Sync sobre la PSSM de Gardiner. Si es que desde las primeras notas que sonaron aquello ya se intuía que iba a ser gloria bendita -nunca mejor dicho-. Mark Padmore es el Evangelista que más me ha gustado de cuantos he visto y escuchado en directo -y ya son unos cuantos-. Lo que hizo la otra noche en el Palau fue de quitarse la peluca barroca. Estilo, expresividad, timbre...y una afinación realmente increíble. Muy bueno también el bajo que hizo de Jesús. Lástima que no pueda hablarse de excelencia absoluta en cuanto a voces se refiere, ya que el problema y lo que descompensó fatalmente el conjunto fueron los diferentes miembros del coro que interpretaron diversas -algunas de las más importantes- arias de la obra. Imagino que es por cuestiones de presupuesto, pero las voces del coro que hicieron de solistas estuvieron muy por debajo del nivel general. Voces pequeñas, muy pequeñas, algunas casi inaudibles, y haciendo verdaderos esfuerzos -que se notaban demasiado- para sacar adelante la partitura. Al tener un nivel de tal excelencia todo lo demás, estas carencias todavía se notaron más. Una verdadera lástima, pero bueno, director, orquestas, coros y las dos voces principales consiguieron que disfrutáramos de una de las mejores Pasiones que se han escuchado en el Palau. En cuanto al aria que comentáis, después de escucharla con acompañamiento de viola da gamba, se hace raro pensar en el chelo y...bueno, por el momento todavía no me imagino a Savall haciendo Death Metal, aunque cosas más raras se han visto.

Por cierto, Sync, muchas gracias por tus comentarios sobre El Arte de la Fuga. He estado escuchando la versión de M.A. Köln y me ha parecido hermosísima. Una auténtica gozada ¡cómo suenan esas cuerdas! ¡Y ese clave!...

Mira Sync, justo cuando pensé que a nadie se le ocurriría hacer el aria "Es is vollbracht" de la pasión según San Juan en violoncello, tenía que aparecer el tarado de Norrington haciendo esta... lo voy a decir: reverenda CAGADA!!



1:12:22

Ah, y ni hablar del tempo.
Ya que estamos con el tema religioso, por qué no le dicen "al de arriba" que lo devuelva a Harnoncourt y en su reemplazo se lleve a Norrignton. Hasta lo disfrazo de ángel, para que pase inadvertido.

De piedra me he quedado. Ese hombre no está bien de la cabeza.

Ayer, en el Palau de la Música de Valencia

Haydn, Concierto para piano nº 11 en Re M
Mozart, Concierto para piano nº 23, k. 488
Mozart, Rondó en Re M, K. 382
Beethoven, Fantasía Coral para piano, coro y orquesta

Orquesta de Valencia - Coral Catedralicia - Rudolf Buchbinder, piano y director

De nuevo Buchbinder con nosotros. Y sigue con su costumbre (bendita costumbre) de venir sin director. Si ya hizo con nosotros, en una ocasión 6 conciertos de Mozart y en otra los 5 de Beethoven, esta semana ha seguido en esa línea, incluyendo además la obra de Beethoven.
Parece mentira que pudiéramos tocar tras hacer tan solo dos ensayos. Sólo dos. No sé si porque no le dieron más (por el dichoso concierto improvisado del día de la mujer) o porque él tampoco necesitaba más. Porque la verdad es que, como queda claro en el programa, el peso y la resonsabilidad recaían sobre sus hombros. Nuestro papel consistió en no molestar en exceso. Y la verdad es que tocar con él no tiene ninguna complicación: como ya comenté en otras reseñas, es un pianista al que se le entiende todo, sin extravagancias, pero con una musicalidad tan clara, tan "honesta", por así decirlo, que no hay que hacer ningún esfuerzo para tocar con él. Tampoco es que dirija: en los conciertos, daba la entrada y poco más. Pero es que mientras está tocando, le basta con una mirada, yn ligero gesto con la mano que tiene libre, un levantamiento de cejas, para indicar claramente lo que quiere, dar absolutamente todas las entradas, indicar el final de las cadencias, etc.
En este concierto, además, hemos podido apreciar el cambio de sonido en su piano entre los tres compositores: la ligereza y buen humor del delicioso concierto de Haydn, la profundidad sin amaneramientos de Mozart o la densidad de Beethoven. A destacar, como no, el bellísimo tiempo lento de Mozart. Nos contaba en el ensayo que estaba profundamente enfadado con Mozart con este concierto, porque la melodía más bonita nunca aparece en el piano, sino en maderas y cuerdas. De hecho, nos comentó que a veces tocaba este movimiento como bis, incluyendo en su transcripción dicha melodía...
El Rondó de Mozart en realidad no es un rondó, sino unas variaciones sin más. Poquita cosa al lado del concierto, a pesar de estar muy bien escritas.
En cuanto a Beethoven, pues es una obra bien rara. A menudo se dice que es como una 9ª sinfonía en miniatura, pero es una comparación exageradísima. Comienza con un extenso solo del piano, bastante raro y de no mucha calidad, para ser Beethoven. Pero incluso con esta música, Buchbinder es capaz de sacar de entre los pasajes más banales alguna segunda voz, algún contratema, que le dan interés. Luego entra la orquesta, poco a poco, hasta que entra el tema principal, un tema y variaciones. Sobre un tema bastante ramploncete, todo sea dicho. Una tonadilla que se te queda pegada al cerebro y ya no te abandona en una semana. Algunas variaciones son para el piano, otras para las maderas (qué manera de acompañar al piano la variación de la flauta: un perfecto acoplamiento a los más ligeros rubati de Salva, que estuvo muy bien), los solistas de cuerda y finalmente el tutti. Siguen las variaciones, cambiando tonalidades y velocidades (ahi si que se nota el oficio de Beethoven, magistral en la forma de la variación). Pero todo se estropea cuando entra el coro. Porque la primera entrada es con el temita de marras cantado por tres chicas. Y ahí si que me recordó al guirigay que se suele montar en la novena con los solistas. Las tres chicas, integrantes del coro, se empeñaron en cantar cada una con un vibrato de tono y medio, de manera que parecían tres gallinas. Por no hablar de que el tempo iba cayendo, cayendo... Luego entra el coro completo y acabas del temita hasta los mismísimos.
A todo esto, Buchbinder siguió tocando auténticas diabluras (la parte del piano prácticamente no para), pero estando atento a absolutamente todo lo que pasaba, dando entradas, corrigiendo tempi, etc., con una flexibilidad y humildad increíbles.

Como propina, en lugar de tocar algo sólo, decidió de nuevo hacer el final de Beethoven, desde la entrada del coro de gallinas. Por si no teníamos poco...

El domingo por la tarde, Auditorio Nacional

Concerto Italiano
Rinaldo Alessandrini, director

Alessandro Scarlatti, “Cain, overo il primo omicidio”

Carlo Allemano, (tenor) Adán
Roberta Invernizzi, (soprano) Eva
Sonia Prina, (contralto) Caín
Monica Piccinini, (soprano) Abel
Aurelio Schiavoni, (contratenor) Dios
Salvo Vitale, (bajo) Lucifer

Otra de esas veladas prometedoras a priori, tanto por los intérpretes de innegable calidad y experiencia en repertorios barrocos, como por la obra, desconocida para mi de Scarlatti. Como todo lo nuevo y ante la duda….expectación e ilusión.
Unas voces excelentes, aunque como siempre, la Invernizzi falta de potencia y sosa a más no poder (aunque en esta ocasión la entiendo, porque no tenía mucho que aportar). Los mejores, con diferencia a pesar de lo “plano” y aburrido del oratorio, Sonia Prina con ese aspecto tan “rotundo” que ya he comentado alguna vez y que, venga o no a cuento, saca siempre al escenario y Salvo Vitale, Lucifer, que fue el único que en el grupo en el que me encuentro, nos despertó (y en algún caso fue literal) y nos atrajo hacia su papel…¡qué malos que somos! Es decir, Caín y Lucifer los mejores de la tarde…
El pobre contratenor que hacía de Dios…..pues no se qué deciros para no parecer irreverente, pero vamos, ¡qué lástima, como dicen en el Sur, qué lastimica daba! Sin voz, sin gracia, sin presencia, sin nada…. Pero entre que a mi personalmente, no me va lo de la voz de Dios en un contratenor (ni en pesadillas) y en que ni las arias ni recitativos eran para tirar cohetes….el resultado fue decepcionante.
Que no dudo de la importancia de la obra cuando la escribió y que según algunos, es una obra maestra del oratorio romano. Doctores tiene la ley y también, que a veces los grandes son unos incomprendidos y el público un desagradecido porque se aburre y no entiende. También. Pero es lo que pasó el domingo. No acabó de contentar a casi nadie. Y repito lo que digo siempre: cuando entre la magna obra de un gran compositor, una determinada no sale demasiado al escenario……ni en su época ni después……por algo será. Fue de esas tardes en que mucha gente se largó en el descanso, y cuando digo mucha, no exagero….Yo no, que conste. Me quedé hasta el final para aplaudir a los italianos, que son chapeau; especialmente el primer chello, que tiene presencia constante (y extraordinaria) toda la obra.
Para terminar, os cito literalmente lo que decía el programa de mano: “Tal vez el caso más llamativo de compositor desatendido sea el de Alessandro Scarlatti, a quien se le reconoce como uno de los mayores compositores del último Barroco. A él se debe el haber proporcionado la forma canónica a la ópera seria –género que se desarrollaría durante casi un siglo–, como también a la cantata, con su sucesión de recitativos y arias da capo, forma que a su vez debe su perfeccionamiento a Alessandro Scarlatti. Y, por encima de ello, nos encontramos ante uno de los autores que mejor ha sabido combinar una escritura extremadamente culta con el más refinado manejo de la retórica barroca, pues siempre puso sus inmensos conocimientos de técnica compositiva al servicio de la expresividad. A pesar de ello, Scarlatti no acaba de despegar. Ni las salas de conciertos ni los estudios de grabación han mostrado particular interés por él, aun hoy, tras décadas de redescubrimientos de compositores arrumbados por el peso de los siglos.”
Desde luego con oratorios como este, no despega nadie. Más bien se hunde.